30° FICL | Los siete cortometrajes animados sobre Latinoamérica (+18), en asociación con Francia

Saludos. Muy buenos días, tardes o noches. En esta ocasión, me gustaría ir directo al grano. Porque la experiencia del pasado lunes 10 agosto en el 30° Festival Internacional de Cine de Lima (FICL) ha sido aquello que más había estado esperando. Pero antes, hay que cimentar el contexto detrás. Verán, en colaboración con la sede local de Alianza Francesa —una asociación de difusión cultural, intelectual y artística—, una de las nuevas secciones creadas para esta edición del festival ha sido titulada “Francia en Lima”. Dentro de ella, el instituto ofreció sus sedes para la exhibición de largometrajes con trasfondo cultural. Esta sección se subdividió en dos catálogos de títulos. El primero, titulado “Puentes audiovisuales: Francia y los países andinos”, ofrece una selección distinta de cintas latinoamericanas (una de ellas coproducida por Francia), lo cual ofrece mayor variedad además de la programación de los organizadores de la PUCP.

En cambio, para esta bitácora, nos vamos a comprometer con el segundo catálogo de esta sección “francesa”, el cual compila una selección de siete cortometrajes animados producidos en Latinoamérica (México, Argentina, Chile, Colombia) que han conseguido mayor difusión gracias a la empresa francesa “Miyu Distribution”. El pasado lunes 10, Alianza Francesa ha exhibido todos los títulos de manera consecutiva en una sola función de ingreso libre. Afortunadamente, logré conseguir un asiento dentro de la sala. Estaba totalmente emocionado por ello. Seguramente algunos conocerán el motivo. Pero es que las producciones animadas siempre han sido mi ámbito favorito para explorar dentro de los medios audiovisuales. Por eso, no me quería perder las selecciones de animación que ofrecería el festival. Sin embargo, el 30° FICL no ofrecía un catálogo tan amplio como esperaba. Solo habían los siete cortometrajes y la función de preestreno del domingo pasado de “La Isla Olvidada” (DreamWorks) —la cual deseo ver desde su primer tráiler—. Desafortunadamente, no pude asistir a esta última, porque en dicha fecha tenía un compromiso importante que había sido agendado desde hace semanas.

La isla olvidada2026

Por eso, no podía perderme este evento de Alianza Francesa. Y lo conseguí. A pesar de una larga fila de espera, logré conseguir mi pase. Después de que todos los asientos de la sala se llenaran, dieron paso a un discurso de presentación como antesala a los cortometrajes. Frente al salón, empezó a hablar Luce Grosjean, la presidente y cofundadora de la distribuidora francesa Miyu Distribution. Si bien la marca ha ampliado sus servicios para algunos largometrajes, ella comenta que su objetivo principal es la distribución del cine de animación. Se encargan de la planificación de estrategias, ventas a clientes y la participación en festivales para los cortometrajes seleccionados, que usualmente se encuentran en su etapa de postproducción. Actualmente, la empresa se ha convertido en un referente internacional. Alcanzó 10 nominaciones a los Oscars por los cortos independientes que ha distribuido; 3 de ellas vienen de la edición del año 2025 (Beautiful Men, Yuck!, Wander to Wonder). También, se logró la Palma de Oro y el Cristal de Annecy gracias a “27” (Flóra Anna Buda, 2023).

Después de la presentación de la compañía, Grosjean agradeció la acogida hacia Miyu dentro del territorio peruano. Es su primera vez dentro de la nación, por lo que le tiene buenas expectativas a este convenio con el festival. Espera que sea el origen de nuevas alianzas para la distribución de cine animado. Porque, según ella, cuando trabajas en este medio dentro de Francia, lo importante es demostrar cómo trabajas con otros países. Tradicionalmente conocido como “la unión hace la fuerza”, el discurso de apertura es un pitch sobre Miyu Distribution. Pero al mismo tiempo, deja abiertas las puertas con el llamado a la acción de investigar distribuidores. Reconoce que varios candidatos quedan fuera de su selección. Asimismo, afirma que en Francia existen un montón de distribuidores de cine por conocer. Al fin y al cabo, es cuestión de buscar la vía que se adecúe mejor a las necesidades del mismo creativo que lleve a cabo su cortometraje. En palabras de la presidente, “la distribución es un campo de juego. Es una oportunidad para crecer a través de otros países”.

A continuación, empezaría la proyección de cortometrajes. Todos ellos, que datan de distintos años, están siendo distribuidos por Miyu. Su selección se centra en la temática del trasfondo cultural, que busca alinearse con la visión de la PUCP que fue comentada en la ceremonia inaugural del festival. Pero antes, advirtió que el contenido incluía drogas, sexo, maltrato visual y secuencias no aptas para personas con fotosensibilidad. Pues, el catálogo completo consistía de títulos exclusivamente para adultos. Ante ello, Grosjean comenta que si bien la animación puede ser para niños, no significa que todo debe ser para ellos. 

Recordemos que la animación no se trata de un género. En realidad, es una técnica con el poder de nutrir las historias de cualquier tono, estilo o audiencia en niveles inalcanzables para el live-action. No es mejor o peor que el cine de acción real, sino que es otra forma camaleónica de expresión artística que merece ser reconocida por tal versatilidad. La animación tuerce la realidad, permitiéndole la oportunidad de lograr nuevas emociones y experiencias únicas que son capaces superar nuestros propios límites de la imaginación. Estas son algunas de las muchas razones por las que amo tanto este lado del audiovisual.

Después de que la función finalizara, comenzó una breve ronda de preguntas y respuestas, que fueron respondidas por Luce Grosjean. Allí habló sobre el trabajo de Miyu Distribution, así como el proceso de trabajo de la distribución audiovisual. Todos esos detalles han sido colocados en los párrafos anteriores. Con ello, dio por finalizado el evento de Alianza Francesa. Ha sido impresionante la riqueza polimórfica en los estilos de animación únicos, así como la representación de sus amargos discursos detrás. Con cada cortometraje, quedó demostrada nuevamente la cara del cine (con todos sus formatos) como un patrimonio cultural para la producción detrás de cada nación. Igualmente, es una oportunidad para el registro de memorias dentro de las historias personales, sin necesidad de siempre estar vinculadas con la sociedad.

Pero estoy hablando en líneas demasiado generales. ¿Por qué no mejor profundizamos en cada uno de los títulos por separado?

A partir de aquí, encontrarán el repertorio latinoamericano completo que formó parte de esta subdivisión animada “Francia en Lima”, a cargo de Alianza Francesa y Miyu Distribution. Podrán conocer sus premisas, los creativos detrás y un poco de su propuesta visual. Asimismo, daré una apreciación personal a cada cortometraje realizado. Serán enlistados de acuerdo al orden en el que han sido proyectados en el evento. Con esto, no busco hacer alguna lista de lo mejor y lo peor. Por supuesto, unos siempre podrían gustar más que otros. Pero en momentos así, siento que la subjetividad hacia el cine cobra más fuerza que nunca. Lo importante es crear conversación y difusión en nombre del arte. Porque puedo asegurarles que cada pieza de la noche encarna una experiencia imaginativa que merece la pena ser visitada. Son siete recomendaciones para que les des una oportunidad cuando puedas. Ahora sí, comencemos.

La Bestia (2020)

• Técnica: Animación 2D
• Dirección y guión: Marlijn van Nuenen, Ram Tamez, Alfredo Gerard Kuttikatt
• Idioma original: Español
• Sonido: Clément Naline, Cedric Denooz
• Música: Thomas  Pirronneau y Ram Tamez
• Producción: Gobelins

Ganadora en el Annie Awards 2021 por Mejor Corto Estudiantil. La ceremonia debutó con un cortometraje realizado en Francia, que de hecho busca retratar la realidad mexicana sobre la migración. Este enfoque puede atribuirse a la dirección y contribución de Ram Tamezz, cineasta mexicano de animación 2D que reside en París. Aunque teóricamente no fue realizado en Latinoamérica, es bienvenido a esta selección de cortos porque definitivamente resonará con nuevo público. Aquí, en una historia de 8 minutos, conoceremos a una niña llamada Lupita y al contrabandista mexicano Guayaba, que emprenden un viaje sobre la cubierta de un tren de carga, conocido como “La Bestia”. Su misión será cruzar la frontera para llegar a los Estados Unidos. Conforme pasen los días, atravesarán obstáculos de una escala inimaginable.

Irónicamente, el momento más destacado lo encuentro fuera de La Bestia en sí. Al compás de la melodía y letra de “Polizón” cantada por Rebeca Magdely González, tenemos un montaje enternecedor donde va creciendo la conexión emocional entre este par de forasteros conforme pasan los días. En general, su belleza visual resalta cuando los diálogos se ausentan. Tanto en su mirada contemplativa (hasta inocente) virando hacia el horizonte, así como en los recovecos siniestros a los que se aproximan —con un acentuado uso de la psicología de color—.

Sobre esto último, la metáfora central en “La Bestia” cataloga al proceso ilegal de migración como un acto temerario que podría terminar en muerte. Así, el clímax se transforma en una psicodelia carmesí, que encarna el sentimiento colectivo de quienes contemplan el viaje a Estados Unidos como su última opción. Lo arriesgas todo, sin saber jamás si el viaje te devorará vivo, antes de llegar a “una mejor vida”. Sin embargo, incluso en lo más profundo del corazón más amargado, late el deseo colectivo de que un colega de tu nación obtenga ese aire idílico de libertad. Puedes acompañarlo, animarlo, o apoyarlo directamente a que dé el siguiente paso. La apertura de la noche ha sido una muy hermosa pieza de amistad y aventura, con un as macabro bajo la manga. Puedes verlo ahora mismo completo de manera oficial en YouTube.

La Bestia2020

Lupus (2016)

• Técnica: Pintura realista, Stop motion, Animación 2D
• Dirección y guión: Carlos Alberto Gómez Salamanca
• Idioma original: Español
• Edición: Carlos Alberto Gómez Salamanca, Juan Pablo Gómez Salamanca
• Sonido: Michel Adamik, Enrique Egurrola Zuleta
• Música: Carlos Arturo Ramírez, Pierre Oberkampf
• Producción: Ikki Films, Nocroma & JPL Films
• Intérpretes: Edwina Liard, Nidia Santiago

A continuación, llega un documental de nueve minutos sobre una tragedia real que aconteció en las afueras de Bogotá en diciembre del 2011. La coproducción franco-colombiana “Lupus” ofrece un relato experimental que combina tres historias en paralelo. La primera nos muestra un segmento educativo de televisión sobre la historia biológica de la familia de lobos y su evolución a perros domésticos, a través de ilustraciones bidimensionales. La segunda es una rueda de prensa que anuncia la deforestación parcial de un bosque para la fabricación de casas, con un diseño burdo que usa pintura al óleo. La última cuenta la noche de un guardia de seguridad dentro de una zona de construcción, quien no se da cuenta de que hay perros callejeros merodeando el lugar, a través de una sucesión de fotogramas de pintura claroscura.

La narrativa de “Lupus” se nutre mediante su ingenioso montaje para esta triada de tramas, cuyas eventuales conexiones dejan entrever la llegada de una catástrofe. Es un ejercicio de inducción para los espectadores, con una predictibilidad intencionada para que el desenlace caiga con mayor desesperanza frente la insensible política, la pobreza y el maltrato a la naturaleza. Asimismo, la animación sombría mediante pintura realista y la construcción/destrucción de edificaciones en stop motion ayudan a adentrarnos profundamente en este lado salvaje detrás del “civilizado” ser humano. Con esta dirección artística, el director colombiano Carlos Alberto Gómez Salamanca hace cátedra de su trayectoria plástica experimental.

La única debilidad que encuentro en este cortometraje es la redundancia de su mensaje central. Por supuesto, comprendo su intención final de recordar los acontecimientos del mundo real. Pero anteriormente, la brillante edición y la tensa estructuración no lineal han logrado que el espectador no solo resuelva el misterio de la tragedia, a través de distintos actores del conflicto, sino que además empatice con ella. Sin embargo, la forma en cómo se inserta el metraje periodístico real da a entender que el esfuerzo previo por unir los puntos no era necesario. Porque el titular final de última hora inherentemente triste bastaba para comprender todo. La solución sería que la nota acompañe la secuencia de créditos, o quizá cambiar por unos subtítulos finales. Lamentablemente, pienso que aquella decisión narrativa ha sido contraproducente, ya que demerita un poco el gran trabajo técnico detrás. Definitivamente recomiendo el cortometraje, pero no puedo evitar sentir que “Lupus” es un ejemplo de cómo los pequeños detalles pueden transformar por completo la construcción de un desenlace. También puedes verlo ahora mismo completo de manera oficial en YouTube.

LUPUS2016

Luz Diabla (2025)

• Técnica: Animación 2D
• Dirección y guión: Gervasio Canda, Paula Boffo, Patricio Plaza
• Idioma original: Español
• Edición: Patricio Plaza
• Sonido: Pomeranec Música y Sonido
• Música: Emanuel Gabotto, David Tokar, Antu La Banca
• Producción: Courtney Wolfson, Iouri Stepanov, Gervasio Canda, Patricio Plaza, Paula Boffo

Seguido del documental, nos transportamos a un escapismo alucinógeno argentino que justifica en demasía la advertencia preliminar de contenido no apto para las personas con fotosensibilidad. “Luz Diabla” es una coproducción entre el estudio canadiense Lakeside Animation y la productora argentina Ojo Raro. De hecho, esta última tiene el objetivo de crear narrativas inmersivas, explorando nuevas fronteras en los campos de los videojuegos, la animación y el diseño. En ese sentido, este cortometraje de terror folclore pinta la noche con un tumulto hechizante de luces neón vibrantes con iluminación enceguecedora, que manifiesta un cautivador espíritu raver bajo la perspectiva queer. Aquí, durante los próximos 11 minutos, conoceremos al extravagante fiestero Martín. Después de sufrir un accidente en la carretera, se refugia dentro de un enigmático bar en la llanura. Pero pronto, a medida que avanza la noche, tendrá un encuentro sobrenatural con las fuerzas espirituales que acechan el campo.

“Ojo Raro” se está caracterizando por su visibilización hacia temas como la educación sexual y la identidad de género, promoviendo el alza de voz para los creadores de historias LGBTIQ+. Así, este título representa un encuentro crudo, salvaje y explícito sobre la paranoia en medio del ojo público capaz de juzgar a cualquier minoría. Al mismo tiempo que cuenta con visuales desgarradores, el mayor miedo se encuentra en el subtexto de la historia. Eventualmente, el caos y la confusión experimentales en “Luz Diabla” cobran todo el sentido con su desenlace sobre la camaradería y el respeto mutuo. 

Entre las dudas internas y la incertidumbre frente a la opinión ajena, se encuentra un vínculo truculento entre la comunidad LGBTIQ+ con una perspectiva religiosa. Por un lado, es sencillo dejarse llevar por conceptos tabú para señalar a “aquellos desviados del camino” como una personificación del diablo. Incluso, puedo entender que algunos tengan esa impresión tras su visualización. Pero en realidad, pienso que el corto agarra una porción de aquellos prejuicios en la sociedad latinoamericana para deconstruirlos, en nombre de crear una sutil dicotomía para su mensaje central. La exploración de la sexualidad y la tentación diabólica son acciones totalmente desvinculadas. Sin importar nuestro sexo, género, costumbre, religión, nacionalidad… Todos podemos tener una revelación divina… o un encuentro con el mal encarnado. Porque los demonios no discriminan.

Luz Diabla2025

Como si la tierra se las hubiera tragado (2025)

• Técnica: Animación 2D
• Dirección, guión y edición: Natalia León
• Idioma original: Español
• Sonido: Thomas Hatcher
• Música: Diego Ayala Raffalli
• Producción: XBO Films

Posteriormente, se proyectaría el cortometraje con la mayor fibra sensible, debido a su desgarrador discurso introspectivo sobre la mujer en la sociedad mexicana. Del mismo modo, es un reflejo sobre aquellas que se encuentran en medio de la tragedia, sin ser víctima o victimario, pero cuya inocencia y alegría son cruelmente arrebatadas. “Como si la tierra se las hubieras tragado” trata sobre una joven que vive en el extranjero llamada Olivia. Ella regresa a su ciudad natal en México, para reconectar con su madre y el pasado que había abandonado durante años. Pero esta reconexión también trae consigo a los fantasmas que la habían atormentado. Conforme va caminando por las calles de su infancia, irá recordando un evento traumático que cambió para siempre su visión del mundo, su vida y su identidad. Un recuerdo con el cual jamás parece que podrá reconciliarse.

Igual que el caso de “La Bestia”, esta es una producción francesa que pertenece en absoluto a esta selección. De hecho, parece ser una expresión artística de la experiencia de su propia directora: la mexicana Natalia Leon. Porque ella se mudó de México y se especializó en el cine de animación en la ciudad de París, siendo este su primer cortometraje.

Antes que nada, quiero contar una anécdota dentro de la sala cuando empezó la proyección, la cual me dejó pensando. Cuando comenzó el primer diálogo de la película, hubo varias risas por parte de la audiencia. Al momento, me descuadró completamente, porque aquellas palabras iniciales presentan un doble sentido demasiado delicado que anticipa los crudos temas de la historia. “¿Cómo pueden estarse riendo de una tragedia así?", pensé. ¿Será por el timing de la línea? ¿O por la contradicción entre el doble sentido y la inocencia con la que fue dicha? Sí, es un juego de palabras. Pero uno demasiado sombrío. Para mí, no es cosa de risa. Pero, en cierto sentido, puede ser que partir con esa primera impresión (fuera intencional o no dentro de la producción) sea algo efectivo, para que el golpe final del corto caiga con mayor crueldad y dureza.

“Como si la tierra se las hubiera tragado” manifiesta un dolor real a través de la ficción de Olivia, quien cuenta una crónica personal sobre su primer encuentro con la situación de desapariciones de mujeres y niñas en México. Intercalando las escenas a full color cálido junto a secuencias en blanco y negro, representan la progresión del estado emocional de su protagonista. Así, el sutil camino a la razón de por qué su mundo perdió el color, culmina en un grito silencioso que no tiene remedio ni vuelta atrás. No tiene miedo en ser vulgar en gráficos o vocabulario, porque merecemos sentir su angustia, paranoia y aflicciones, aunque sea por unos 14 minutos. Su técnica en 2D puede ser tierna pero lúgubre, inocente pero inquietante, tangible pero abstracta… todo dentro de su propio mundo. Quizá esa sea la visión que propone León sobre este manojo de sentimientos que la mujer carga al exponerse al mundo. Nunca se sabe qué podría pasar. A decir verdad, creo que este ha sido uno de mis cortometrajes favoritos de la noche.

Como si la tierra se las hubiera tragado2025

Bestia (2021)

• Técnica: Stop motion
• Dirección y edición: Hugo Covarrubias
• Guión: Martín Erazo, Hugo Covarrubias
• Sonido: Roberto Espinoza, Pablo Bahamondez (Sonamos)
• Música: Ángela Acuña, Camilo Salinas
• Producción: Trebol 3 Producciones y Maleza Estudio

De antemano, no la confundan con “La Bestia” mencionada anteriormente. En cambio, esta es una producción chilena basada en hechos reales. Nominada a los Oscars 2022 por Mejor Corto Animado. Durante más de 15 minutos, conoceremos la vida, la rutina y las frustraciones de una agente de policía que vive con su perro. Durante el día, es una torturadora en nombre de un estado tiránico. Durante la noche, su mente fracturada revela capas de pensamientos sádicos y perturbadores. En la mañana siguiente, todo se repite. Alimentar a su perro. Pasearlo. Aceptar un trabajo. Y dormir. “Bestia” se inspira completamente en la historia verdadera de la difunta agente Íngrid Olderöck, la cual castigaba a los opositores a la dictadura militar de Augusto Pinochet en Chile (1973-1990). Eran víctimas de tortura y violaciones, provocados por un perro que ella misma entrenaba.

En el apartado técnico, me detengo a apreciar principalmente la trayectoria en animación (títeres, claymation, stop motion) del director Hugo Covarrubias dentro del estudio chileno Zumbástico Studios. Hace años pude ver su serie antecedente “Puerto Papel” (la recomiendo) que mezcla stop motion con animación digital. Ahora, “Bestia” demuestra su versatilidad para la creación de visuales, con un universo artificial que parece una manualidad con textura de fibra de poliéster y una protagonista hecha de porcelana. Esta caracterización para la agente resalta su frialdad, crueldad y apatía ante las perversiones que acontecen delante suyo. Forma parte de una sociedad militarizada, desolada y de influencia nazista.

Si pasamos a la historia, este es el cortometraje más rebuscado de la selección. Carece de diálogos y está plagado de metáforas en su rutina —a veces rozando el realismo mágico—. Te puedes perder en medio si no prestas atención a los detalles sutiles. Su objetivo es personificar a través de elementos físicos los cambios en la psique detrás de esta persona sanguinaria. A veces parecen haber planos oníricos, otras veces resulta ser la realidad. Hay anomalías en el hogar. Las miradas agobian. También, la realidad resulta ser una metáfora de una transformación hacia un estado más abstracto y misterioso para la humanidad. Al final, el rompecabezas deberá ser resuelto por nosotros. Porque, detrás de esa expresividad plana en su rostro y esas acciones constantes a pesar de los conflictos, ella no quiere darnos una respuesta clara. Si tienes curiosidad, puedes verlo ahora mismo completo de manera oficial en YouTube (tiene restricción de edad en la plataforma).

Bestia2021

Una vez en un cuerpo (2025)

• Técnica: Pintura realista
• Dirección y guión: María Cristina Pérez González
• Idioma original: Español
• Edición: Mauricio Cuervo Rincón
• Sonido: Sinsonte Estudio
• Música: Daniel Gwilym Jones Cozzarelli
• Producción: Pez Dorado Animaciones y Cartuna

Tras haber visualizado este penúltimo cortometraje de la noche, siento que definitivamente no soy el candidato apropiado para hablar sobre un tema tan delicado como el cuerpo femenino. Prometo que seré lo más empático que pueda al platicar sobre ello. Durante 10 minutos, una mujer de nombre desconocido nos contará la tensa relación con su hermana, después de un incidente que ocurrió en su adolescencia. Al mismo tiempo, su universo se está distorsionando en trazos violentos de óleo, sin las ataduras de las convenciones sociales. Mientras intenta enfrentar sus demonios personales, debe descubrir qué ocurre sobre “un extraño ser” que asegura que vive en su interior.

La coproducción colombo-estadounidense “Una vez en un cuerpo” queda absolutamente abierta a la subjetividad. Tengo el presentimiento de que cada cabeza podrá interpretar de manera única esta sucesión de obras plásticas abstractas, en el sentido más puro del arte en cualquiera de sus expresiones. Porque la narración de la protagonista culmina como una interpretación más, en medio de esta locura visual. Tal manejo errático de la pintura, con iconografías surreales e imágenes agresivas desinhibidas, representa aquellos sentimientos íntimos que ella lucha por comprender dentro de sí misma, así como nosotros vamos entendiéndola (o igualmente intentándolo) conforme avanzan los segundos.

En retrospectiva, pienso que “el extraño ser” dentro de la protagonista no pretende ser explícito. Incluso, parece que el corto ofrece múltiples posibles respuestas ante tal incógnita. Creo que busca ser una puerta abierta al debate sobre qué puede simbolizar aquella "entidad” (de la ficción) en el interior de cada uno de nosotros (en la realidad). Porque, tanto a nivel físico como metafórico, seguramente tú y yo tendremos cargas personales con núcleos demasiado vergonzosos. Pero tarde o temprano serán necesarios confrontar, para saber tomar mejor nuestras decisiones. En mi opinión, los conceptos centrales que engloban la experiencia son: la presión de la mujer dentro de una sociedad patriarcal, la exploración íntima del cuerpo y la construcción de una identidad cimentada por tales factores externos. Estoy seguro de que si le das una oportunidad, encontrarás tu propio significado especial. Sin embargo, creo que puedo asegurar que el común denominador será la empatía hacia el desafío diario que implica ser una mujer día con día. Te invito a que encuentres tu propia interpretación sobre este título, en el momento en que puedas visualizarlo.

Once in a Body2025

Aferrado (2024)

• Técnica: Animación experimental
• Dirección y guión: Esteban Azuela
• Idioma original: Español
• Edición: Pedro G. García
• Sonido: José Miguel Enríquez
• Música: Héctor Ruiz, Raúl Topete, Maria Bonita
• Producción: Línea 2, H.I.E.N.A. y Belmont

Finalmente, la noche proyecta el último cortometraje de la selección, del cual cuesta trabajo definir su estilo de animación. Esta producción mexicana de 18 minutos habla sobre la doble vida del mecánico Joel, capaz de arreglar cualquier máquina que se le presente. Cuando le asignan un nuevo trabajo en medio de una reunión especial, Joel se convertirá en el espectador de su propia retrospectiva a través de todas las decisiones que lo han orillado hasta un presente fragmentado. Así, en el corazón de la violencia en Ciudad de México, parece que la libertad de decidir se va agotando.

"Aferrado” manifiesta esta aventura de introspección mediante una compleja narrativa visual experimental extraordinaria de su director Esteban Azuela. No es 2D, pero tampoco es 3D, hasta parece tener un poquito de live-action. Luce feo a propósito. Ahí encuentra su belleza. Tiene la apariencia de una animación por computadora inacabada e inverosímil, con fallas en el sistema. Los escenarios se glitchean. La geografía pierde todo el sentido. Los gráficos colapsan. A través de los ojos de su protagonista, su universo es un frankenstein deforme conformado por una infinidad de piezas bizarras que conforman su vida, como si fuese una máquina descompuesta. La única que jamás podrá reparar. Su presente es un desastre cayéndose a pedazos.

Parece una ficción. Parece un documental. Visualmente, es un desorden al cual tu cerebro intentará darle un orden sin éxito. Narrativamente, no perderás el hilo gracias al constante punto de vista de Joel, así como un cruel entendimiento sobre la violencia organizada (con unos diálogos ocurrentes que a veces otorgan un tono cómico involuntario). Por último, como un todo, “Aferrado” cobra sentido cuando su desenlace replantea todos los acontecimientos previos. Así, la función culmina con este amargo mensaje. Habrá veces en que desearemos aferrarnos por siempre, pero nuestros actos irreversibles nos habrán orillado eternamente hacia la dirección opuesta.

Aferrado2024

De esta forma, concluye el recuento de cortos animados para adultos sobre Latinoamérica de la selección “Francia en Lima”. Todos recomendados, en mi opinión. Tres de ellos se encuentran disponibles ahora mismo en YouTube. Lamentablemente, esta fue su única función. a lo largo del 30° FICL. Espero que puedan ver los cuatro restantes en una próxima ocasión. Siempre habrá un nuevo festival de cine. O eventualmente podrían estar disponibles en alguna plataforma de streaming. En cualquier caso, cada cortometraje ha presentado una pesadumbre internalizada dentro sus naciones involucradas. Francia, Estados Unidos o Canadá habrán sido coproducciones que lograron la culminación de los proyectos, pero su corazón reside en nuestras tierras latinas. Sin importar la nacionalidad de sus cortos, representan fragmentos de nuestras identidades culturales. Aunque sean de países extranjeros, comprendemos su agonía. Sabemos reconocer los flagelos dentro de la política, la justicia, la igualdad y la dignidad de la persona. Nuestras idiosincrasias coinciden en varios ámbitos. Como mencionó Josué Méndez en la ceremonia inaugural del festival, refiriéndose a “El Partido” (2026), las películas de naciones vecinas reflejan varias aristas de nuestro sentir como latinoamericanos.

La animación es una puerta abierta para experimentar la personificación de memorias culturales, con una emotividad que una cinta de acción real jamás podría igualar. El cine animado vuelve físico lo abstracto, vuelve posible lo imaginado, vuelve tangibles las emociones más complicadas dentro del ser humano. Puede encarnar los horrores detrás de realidades difíciles, como “La Bestia” o “Luz Diabla”. Puede fragmentar la realidad y la concepción personal del mundo, como “Aferrado”, “Una vez en un cuerpo” o “Como si la tierra se las hubiera tragado”. Puede inspirarse en la historia para reinterpretarla desde la visión adolorida de su creador, como “Bestia” o “Lupus”. Por eso, jamás subestimen la animación. El dibujo, el diseño y los gráficos forman parte de nuestras culturas más antiguas. Actualmente, continúan encontrando nuevos caminos para seguir expresando aquello que no se puede expresar con fotografías o palabras. Aquí mismo, tenemos siete muestras de cómo el arte sigue innovándose con métodos experimentales, para preservar la memoria y despertar emociones inexploradas en la mente del espectador. Si me lo preguntan, eso es aquello que toda pieza de arte busca transmitir en nosotros. Así es la animación.

Oficialmente, esta ha sido mi bitácora más larga hasta la fecha. Por eso, me he tardado más en publicarla. Es más, con todo este retraso, el festival está a punto de terminar. Pero todavía queda más por explorar. Solo quedan dos días: hoy 14 y mañana 15 de agosto. Recuerden revisar este link para conocer toda la programación que ofrece el 30° FICL (https://festivaldelima.com/2026/programacion/). Incluso, mañana será la clase maestra impartida por el director de “El agente secreto”, Kleber Mendonça Filho (https://festivaldelima.com/2026/encuentro/clase-maestra-kleber-mendonca-filho/). Llegando al final del festival, significa que se avecina la ceremonia de clausura. Espero poder documentarla en un próximo artículo, donde también compartiré mis títulos favoritos entre los que pude visualizar —porque aquella ocasión sí lo ameritará—. Hasta entonces, muchísimas gracias por llegar hasta aquí. Y antes de concluir, solamente recuerden: la animación es arte.

Muchas gracias a Peliplat por el apoyo en la gestión para la asistencia a la 30° edición del Festival Internacional de Cine de Lima. 

¡Nos vemos en una próxima ocasión! ¡Hasta la próxima!

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