Reseña de Marty Supreme (2025) - Otro manual de masculinad incomprendida (otra vez)

Lo nuevo de Timothée Chalamet presenta un personaje que explora la ambición y el sacrificio por los sueños sin la responsabilidad moral que conviene.

Marty Supreme es, ante todo, una película que genera incomodidad desde el primer minuto, no solo por el ritmo desenfrenado del protagonista, sino por su forma de presentar un juicio a este conflicto. Josh Safdie, en su primera película en solitario, construye un personaje inestable y deja la tarea al público quien determine si su camino hacia la “grandeza” es válido o no. Esa decisión consciente del cineasta es arriesgada y, en el contexto actual, también problemática.

Marty Mouser (Timothée Chalamet) pertenece a una extensa lista de personajes masculinos obsesivos que el cine ha retratado como advertencia y que, con el tiempo, muchos hombres los han convertido en modelos aspiracionales. Ahí están Jordan Belfort de The Wolf of Wall Street, Patrick Bateman de American Psycho o Tyler Durden de The Fight Club. El problema no es su existencia, sino la lectura que se hace de ellos. Marty Supreme entra directamente en ese terreno resbaladizo.

A primera vista, la película se presenta como otro relato deportivo motivacional. Un joven obsesionado con el tenis de mesa, convencido de que está destinado a algo más grande, lucha contra un entorno que no cree en él. Pero esa fachada se desmonta rápido. Marty no es un underdog noble ni disciplinado: es impulsivo, irresponsable y profundamente egoísta. Su fe en este “sueño americano” es religiosa. Cree que el éxito futuro justificará cualquier daño presente: duedas, relaciones rotas, una novia embarazada a la que abandona y niega su paternidad, favores que nunca paga. Todo queda dependiendo con la promesa de que “mañana todo va a salir bien”.

Safdie nunca le dice al espectador cómo interpretar esto. No hay castigo explícito ni redención clara. Y ahí está el núcleo del conflicto. Dejar el juicio en manos del espectador puede ser una decisión autoral válida, especialmente si se busca evitar el biopic tradicional o relato moralizante. El problema real, en este caso, es la ambigüedad que ha permitido a un sector, en su mayoría hombres, lea la película como una historia de superación personal, cuando en realidad es una radiografía de la negación de la responsabilidad. No es que Marty persiga un sueño: es que se refugia en él para no enfrentar las consecuencias de sus actos.

La segunda parte de la película es donde estas ideas empiezan a desdibujarse por problemas de ritmo. El director introduce varias subtramas que buscan reforzar la desesperación de Marty por conseguir dinero, pero no todas están bien integradas. La más evidente es la del perro perdido y la recompensa. La intención es clara: mostrar que Marty está dispuesto a cualquier cosa con tal de acercarse a su objetivo o solamente complicarle más las cosas. Sin embargo, todas estas rutas se siente inconclusas o desperdiciadas, sobre todo porque la solución real que lo sostiene siempre estuvo ahí, persiguiéndolo. Esto no rompe el arco del personaje en el producto final, pero sí diluyen la tensión y hacen que la película se vuelva irregular en su tramo medio.

El viaje a Japón es el punto donde el discurso termina de revelarse. Marty cree que esa oportunidad le cambiará la vida, que ahí está la validación definitiva de su fe ciega- Pero no puede competir, es reducido a un partido de exhibición diseñado para humillarlo y, aún así, él lo vive como un triunfo personal. Para su oponente no significa nada; para Marty es todo. Esa desconexión resume su tragedia: un sueño que no estuvo alineado con la realidad.

El regreso a casa marca un final interesante. Marty al buscar a su pareja que recién dió a luz. Hay una aparente luz de conciencia tras conocer a su hijo. Pero después de haber escichado cómo piensa y cómo actúa durante la película, ese momento se siente más como una derrota que como redención. No es un aprendizaje visible, sino un choque de su sueño que abrazó y defendió con la realidad que siempre evitó. Su impulsividad, su fe en soluciones mágicas y su incapacidad para hacerse cargo solo lo llevo a una bola de nieve que se hizo más grande cada minuto.

En lo técnico, Marty Supreme es notable. Safdie demuestra un dominio absoluto del lenguaje para generar una experiencia inmersiva de ansiedad constante. La cámara inestable, el montaje frenético, el diseño sonoro saturado de ruidos y voces superpuestas construyen un estado de estrés permamente. La Nueva York que presenta es sucia, pobre, caótica, muy cercana a la ciudad que Scorsese capturó en Taxi Driver. No es una ciudad de oportunidades, sino un espacio que devora a quienes creen que pueden dominarla. La edición es clave: no hay respiro, no hay orden, todo se siente fuera de control, exactamente como la mente del protagonista.

Y como pilar de este conflicto está Timothée Chalamet. Esta es, sin duda, la mejor actuación de su carrera hasta ahora. Muy por encima de Call Me By Your Name, más compleja que Wonka y más exigente emocionalmente que Dune. Chalamet se entrega por completo a la obsesión de Marty: su lenguaje corporal, su mirada, su energía desbordada transmiten a un personaje que siempre vive al límite. No hay espacio para el encanto ni el romanticismo, solo desgaste. No sorprende que su nombre ya esté escrito como ganador de varios premios. Es inevitable decir que esta actuación l consolida más como un actor generacional con otros nombres como Leo DiCaprio o Al Pacino.

Marty Supreme es una buena película y un ejercicio autoral ambicioso por parte de Josh Safdie. Sus mayores debilidades están en el desarrollo del guion, especialmente en un segundo acto que pierde foco. Pero esas flaquezas se vuelven menos visibles para quienes confunden su objetivo. No es una historia de superación, ni un relato inspirador. Es el retrato de alguien que confunde soñar con evadir responsabilidades. Y ahí, precisamente, radica tanto su valor como su riesgo.

Marty Supremo2025